Past Artfairs
CURRENT EXHIBITION
Julio Rondo, as is, 23.03. – 04.05.2018



ARTFAIRS
Art Cologne 2018, 19.04. – 22.04.2018
(www.artcologne.de)



ARTIST NEWS 
Group Show „Evoking Reality“ with Clément Cogitore, Opening: Saturday, November 24th, 2018, 1 - 8 pm
25.11.18 – 19.05.2019, Daimler Contemporary Berlin, Haus Huth, Alte Potsdamer Str. 5, 10785 Berlin
›Evoking Reality‹ stellt Positionen politischer Fotografie und Videokunst aus der Daimler Art Collection (DAC) vor, die Neukonzeptionen aktueller Realitätsbilder formulieren. Beginnend in den frühen 1990er Jahren erweiterte die DAC ihren Sammlungsschwerpunkt um Werke der Neuen Medien: Fotografie, Video, Objektkunst und installative Arbeiten. Die Neuerwerbungen wurden in der dreiteiligen Ausstellungsreihe ›Photography, Video, Mixed Media I-III‹ zwischen 2003 und 2007 im Berliner Ausstellungsraum Daimler Contemporary vorgestellt. Dieser Fokus auf Fotografie und Video ist seither intensiv weiterverfolgt worden. Die Sammlung umfasst heute ein stetig wachsendes Konvolut bedeutender Arbeiten, die zeitgenössische Perspektiven auf globale Thematiken und politische Konflikte visualisieren. Die Ausstellung ›Evoking Reality‹ widmet sich zeitgenössischen Strategien, die sich von etablierten Darstellungsprinzipien und gängigen Narrativen des Fotojournalismus distanzieren, um ein offenes Wirklichkeitsbild entstehen zu lassen, das auf eine kritische Sensibilisierung des Betrachters zielt. Angesprochen wird ein kritisches Bewusstsein bezogen auf mediale Vermittlungs- und Darstellungsweisen, die das Auge mittels wiederkehrender Leidensbilder und Gewaltszenen seit Jahrzehnten prägen. Ausgehend von einer Re-Lektüre der Publikation ›Das Leiden Anderer betrachten‹ (2005) von Susan Sontag befasst sich die Ausstellung ›Evoking Reality‹ mit aktuellen medialen und konzeptuellen Herangehensweisen an politische, öffentliche und daraus resultierende private Konfliktsituationen. Das Ineinanderblenden von Fiktion, Inszenierung, Konstruktion und Realität verunsichert den Betrachter, der jene Verfremdungsstrategien zugleich unerwartet als realitätsstiftendes Moment erfährt. Offenheit und Vieldeutigkeit fordern den Betrachter auf, sich das Geschehen selbst zu erschließen, visuelle Impulse zu reflektieren und teils auch intellektuell zu revidieren. Wirklichkeit wird als fragiles Konstrukt erfahren, das aus unterschiedlichen Perspektiven stets seine Gestalt ändert. Die Werke dieser Ausstellung evozieren ein Realitätsmoment, das eben durch Vieldeutigkeit, Widersprüchlichkeit, Interkonnektivität und Relativität unsere globale Lebensrealität greifbar werden lässt. Die jüngst erworbene zwölfteilige Fotoserie „Congo Democratic“ (2006) von Guy Tillim, der 2004 Preisträger des ›Mercedes-Benz Award for South African Art and Culture‹ war, wird erstmals in Berlin zu sehen sein. Zudem bilden fotografische Arbeiten u.a. von Jane Alexander, Clément Cogitore, Tacita Dean, Cao Fei, Pieter Hugo, Maya Zack und die Videoinstallationen „Snow White“ (2001) von Bernie Searle, „Mermaids [Erasing the Border of Azkelon]“ (2011) von Sigalit Landau sowie „The amorous Indies“ (2017) von Clément Cogitore Schwerpunkte der Ausstellung. Kuratiert von Renate Wiehager und Nadine Henrich. (Photo: Clément Cogitore: „The amorous Indies“, 2017, still of Video HD, 6 min., Ed. 5 + 1 AP.)
(art.daimler.com/evoking-reality/)



PLAY Kortrijk – Circuit for Contemporary Art with Marc Bijl
23.06. – 11.11.2018, City of Kortrijk, Belgium
PLAY is a headstrong city festival organised from 23 June to 11 November 2018 that will take over the centre of Kortrijk with contemporary artworks (curated by Hilde Teerlinck and Patrick Ronse). You can immerse yourself in the unique world of national and international visual art at diverse indoor and outdoor locations in the city. During PLAY, the city not only serves as a canvas; bit by bit the festival simultaneously dissects our relationship with 'play'. How does play influence our social behaviour? How does 'play' reflect the evolution of our society? How important is play for our motor and cognitive development? Kortrijk is a member of the UNESCO Creative Cities Network, was officially named a child and youth-friendly city and is chosen as European City of Sport 2018. Kortrijk is growing, flourishing and above all, does not stand still. And it is precisely this continuous urban metamorphosis that makes the West Flanders city the dream décor for PLAY. Not only a breeding ground for regional, national and international talent, but also a springboard that offers opportunities. This unexpected creative melting pot carefully connects different disciplines such as art, design, education and entrepreneurship. A city with a generous dose of daring, sense of creative entrepreneurship and above all, the (play)room to experiment. (Image: Marc Bijl: „Lara Croft. La revolutionaire sieme noi“, 2011.)
(www.playkortrijk.be/en)



Group Show „Mixed Realities. Virtuelle und reale Welten in der Kunst“ with Tim Berresheim, Opening: Friday, May 4th, 2018, 7 pm
05.05. – 26.08.2018, Kunstmuseum Stuttgart
Längst haben »Virtual Reality« (VR) und »Augmented Reality« (AR) sich in der Spieleindustrie und in industriellen Anwendungen etabliert. Aber wie gehen Künstlerinnen und Künstler mit den neuen Medien um? Was passiert mit Malerei, Zeichnung und Plastik, wenn die illusionistische Erweiterung bis zu einer 360-Grad-Ansicht des Raums durch VR und AR genutzt wird? Als erste museale Einrichtung in der Innovations- und Metropolregion Stuttgart widmet sich das Kunstmuseum Stuttgart dem künstlerischen Umgang mit VR und AR. Die Ausstellung präsentiert künstlerische Positionen, die sowohl auf einer analogen wie auch einer digitalen Ebene arbeiten und beide in ihrem Werk verbinden. Der Begriff »Mixed Realities« steht für die Vorstellung, dass die reale und die virtuelle Welt keine Gegensätze sind, sondern ein Kontinuum darstellen. (Image: Tim Berresheim, The Early Bird (SIGH), Traces VI, 2012, Print on Paper, 100 x 80 cm, © Tim Berresheim.)
(www.kunstmuseum-stuttgart.de/index.php?site=Ausstellungen;Vorschau_Details&id=113)



New film „PELLEA[S]“ by Josephine Meckseper showing at Whitney Museum of American Art, Film Screening: Sunday, April 29th, 2018, 6 pm
29.04. – 29.04.2018, Whitney Museum of American Art, New York
The Whitney Museum of American Art will present the US debut of Josephine Meckseper’s new film „PELLEA[S]“, as part of the expanded programming for the exhibition „An Incomplete History of Protest: Selections from the Whitney's Collection 1940-2017“. Set in America’s current political landscape, the film’s dialogue is adopted from Maurice Maeterlinck’s 1892 play „Pelléas et Mélisande“. Accompanied by Arnold Schoenberg’s modernist score, „PELLEA[S]“ includes footage from the 2017 presidential inauguration and ensuing Women’s March in DC, conflating contemporary political realities with a timeless love story in which the gender roles are reversed. „PELLEA[S]“ (2017-2018, Ed. 5 + 2 AP, 40 min.), a new film by artist Josephine Meckseper, expresses through cinema the dramatic narratives and relationships contained within the universe of Meckseper's glass and mirror vitrines, and recalls one of her earliest video works from 1992 on the Rodney King riots. The film is a modern adaptation of Maurice Maeterlinck’s play „Pelléas et Mélisande“ and includes footage of the historical event of the 45th Presidential Inauguration and concurrent protests filmed by the artist. Conflating contemporary political realities with a timeless love story, the city of Washington D.C. and its architecture become a context and site of departure through which the territory and narratives of a love triangle are explored. By underscoring the film with Arnold Schoenberg’s modernist version of „Pelléas et Mélisande“, Meckseper draws a direct correlation to the way early Modernism and the avant-garde developed into a form of political and aesthetic resistance to neo-classism and capitalism. The 30-minute black-and-white and color film examines the performance of gender both in cultural production as well as in contemporary political terms; in Meckseper’s film the parts of Pelléas and Mélisande are played by the opposite gender as they were originally written in. Similar to her previous film works „PELLEA[S]“ does not follow a strict narrative thread, but instead uses meta-language to pose questions about utopianism and activism and the artist’s position within the two. The film is set in a fictitious interior evoking different elements of Meckseper’s art works. A scenic wallpaper depicting images of architecture and advertising bring to mind Rainer Werner Fassbinder’s film „The Bitter Tears of Petra von Kant“, which was filmed next door to Josephine growing up in Germany in the 1970s. In other scenes, mirrored set designs create a performative and psychological realm, unlocking an expressive field that allows Meckseper to play with the notion of the gaze and the voyeur, of the object and subject in power relations and desire. With its timeless, illusory, and refractory aspect, the mirrored sets define the mythic and operatic space for the love story that unfolds. Much as in Dadaist and Surrealist cinema, the interaction of images, daily objects, people and architecture in Meckseper’s new film occur through montage and juxtaposition to saturate the relationship between the object and a perceived subject in control. The set design, the use of objects as semiotic referents, and the posturing of the actors echo Meckseper’s signature glass vitrines; however, objects and characters are no longer static, but are now actors inside the labyrinth creating a new mythical world.
(whitney.org/)



Group Show „Haus der Sinnsuche. Gutes Leben durch Kultur“ with Marc Bijl, Opening: Friday, April 27th, 2018, 5 - 9 pm
28.04. – 22.07.2018, KUNSTSAELE Berlin, Bülowstr. 90, 10783 Berlin
„Haus der Sinnsuche. Gutes Leben durch Kultur“ curated by Ellen Blumenstein. Artists: Kurdwin Ayub, Joost Baljeu, Marc Bijl, Julius von Bismarck, Böhler & Orendt, Melanie Bonajo, Club Fortuna, Jochen Dehn, Ceal Floyer, Rainald Grebe, Jenny Holzer, Reiner Kallhardt, On Kawara, Alexander Kluge, Terence Koh, Lawrence Lek, Katharina Mayer, Gianni Motti, Kateřina Šedá, Anton Stankowski, Klaus Steinmann, Mladen Stilinović, Pilvi Takala, Jos De Gruyter & Harald Thys, Gert Weber, Francesca Woodman and Helga Wretman. (Image: Gianni Motti: "Untitled, Elevation 1049, Gstaad", 2014, Courtesy The Artist and Perrotin Gallery.)
(www.kunstsaele.de/vorschau-1/)



Festival „Frames of Representation. New Visions for Documentary Cinema“ with Clément Cogitore, Showing „Braguino“ by Clément Cogitore: Sunday, April 22nd, 2018
20.04. – 28.04.2018, ICA (Institute for Contemporary Arts) London
Frames of Representation (FoR) returns to the ICA this year for its third iteration. The festival includes UK and international premieres, profiling filmmakers from Argentina, Denmark, Venezuela, Poland, India and films from Brazil, France, Germany and Portugal. The festival this year reflects on the contemporary experience of 'landscape'. (Photo: Clément Cogitore: „Braguino“, film, trailer: http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=19574713&cfilm=257410.html)
(www.framesofrepresentation.com/)



Group Show „From ZERO to 2018“ with Marc Bijl, Opening: Saturday, April 14th, 2018, 5 - 7:30 pm
14.04. – 19.05.2018, Upstream Gallery, Kloveniersburgwal 95, NL - 1011 KB Amsterdam
Upstream Gallery proudly presents „From ZERO to 2018“, a group exhibition with work by Ad Dekkers, Constant Dullaart, herman de vries, Jan Robert Leegte, Jan Schoonhoven, Marc Bijl, and Rafaël Rozendaal. The exhibition brings together an extraordinary selection of works by some of the most important Dutch artists of the late 20th century, who stood at the forefront of the international ZERO movement and of geometric abstraction in the 1960s. They are combined with works by four contemporary artists, that not only show stylistic similarities to the distinctively white works from half a century earlier, but also a shared appetite for radical new ways to make art. ZERO, coined by Heinz Mack and Otto Piene in the late 1950s, marked the start of an international art movement that set out to break free from the previous decade subjugated by war and instead to develop a new, optimistic future for art. The Nul-group, the Dutch equivalent of ZERO, was established not long after by Armando, Jan Hendrikse, Henk Peeters, Jan Schoonhoven and herman de vries. While abstract expressionism was still leading, the artists connected with the ZERO movement sought ways to reduce both their artistic forms and subjective expression, to explore the most essential and objective forms, and to concentrate and repeat. The movement is furthermore characterised by experiments with the most innovative and unconventional materials and media. Although this resulted in a wide range of new art, the movement has become most iconic for the myriad of white monochromatic works. Constant Dullaart, Jan Robert Leegte, Marc Bijl, and Rafaël Rozendaal have each made essential contributions to the current developments in contemporary art, with a particular focus on the developments in the field of digital art. Their works manifest both online and off, as they continue to investigate the urgency of producing physical objects. The subsequent works are often characterized by a hybrid nature, showing close resemblance to their digital work, or making use of materials that are connected to the digital realm. Each time, they show a reinvention of their artistic practice and continue to push contemporary art to the next level. (Marc Bijl: „Nepal“, 2015, powder coated aluminum, 150 x 100 cm. © Marc Bijl)
(www.upstreamgallery.nl/exhibitions/152/from-zero-to-2018)



New film „PELLEA[S]“ by Josephine Meckseper in Vanity Fair, April 2018
01.04. – 01.05.2018,
Women's Work - At the inauguration of Donald Trump last year and the Women's March on Washington the following day, artist Josephine Meckseper saw more than hot-pink hats and protest signs - she witnessed a love story in the passionate resistance. For her film, PELLEA[S], debuting this month at the Whitney Museum, in New York, the German-bom artist follows a D.C.-driven love triangle and celebrates the lives of women as activists on the street and screen.
(www.vanityfair.com/)



Group Show „Reconstructing Utopia. Architecture and Art Exhibition“ with Yuan Shun, Opening: Saturday, March 24th, 2018, 4:30 pm
24.03. – 20.05.2018, OCT Art & Design Gallery, Shenzhen, China
The architecture and art exhibition Reconstructing Utopia, curated by Ye Cheng, will be opened to the public at OCT Art & Design Gallery in Shenzhen from March 24th, 2018 to May 20th. Over hundred of works including painting, sculpture, installation, model, sketch, video, photograph etc. from 21 groups of Chinese architects and artists with their talents of bold ideas and in-depth practice will be exhibited. At this historical turning point, Utopia can be conceived as a clue to re-examine their imagination. These explorers grew up in this era and witnessed the great changes of the times. Some of them focus on the sought of future urban form, some propose new models for urban systems, some present new methods for the construction of buildings, some envisage new ideas for communities and living habits, some showcase the future of utopianism or anti-utopia through images and paintings and some explore the ontology of architecture, art and even the reality of our world. By building an in-depth dialogue between architecture and art, Reconstructing Utopia hopes to draw criticism from following three perspectives: reflecting on the history of rapid urbanization represented by China’s cities; criticizing the technology-dominated future featuring with over-intelligence and big data monopoly; starting from the present: transcending the enslavement of humans by material and information, stimulating people's free imagination and moving toward a higher level of civilization. Reconstructing Utopia is like an undercurrent infiltrated into the phenomenal world, breaking boundaries and differences, and leading humans to move towards the era of ontology. (Yuan Shun: „Mindscape#15“, 2004, C-Print, 60 x 80 / 126 x 186 cm. © Yuan Shun)
(www.oct-and.com/index.php/exhibition/archive/exdetail?id=43)



Julio Rondo in der Galerie Reinhard Hauff. Prädikat herausragend. Von Nikolai B. Forstbauer, StN.de. Stuttgarter Nachrichten, 22. März 2018, 21:14 Uhr, Opening: Friday, March 23rd, 2018, 7 - 10 pm
23.03. – 04.05.2018, Galerie Reinhard Hauff, Stuttgart
Geht das – hinter Glas und gleichzeitig im Raum zu malen? Geht das, ein Bild zu schaffen und gleichzeitig einen Raum? Julio Rondo kann beides, zeigt „Stuttgarter Nachrichten“-Autor Nikolai B. Forstbauer . Wie aus einem Guss wirkt die Präsentation neuer Arbeiten des in Berlin lebenden Stuttgarters Julio Rondo in der Galerie Reinhard Hauff. Da sitzt alles – ein Spiegelbild der Perfektion von Rondos Bildräumen, Raumbildern, Objektmalerei, Malereiobjekten. Konsequentes Rondo-Alphabet Wie diese sich durchdringenden Gegenwelten entstehen? Indem „er in einer Art negativen Malerei den Teil der Komposition zuerst malt, der bei Vollendung des Werks den Vordergrund ausmacht“, wie es die ­Galerie formuliert? Sicher verstärkt die ­konstruierte Tiefe den Raumeindruck. Und zweifellos gewinnt die Acrylfarbe auf dem Bildträger Glas eigene Dichte. Aber es ist doch die Konsequenz des eigenen Rondo-Alphabets, das die Fortschreibung einer ­konzeptuellen Malerei so überzeugend ­möglich macht. Rondo ruft Ahnen und Urahnen auf Dabei ruft Rondo, Professor an der Merz-Akademie, quasi nebenbei, ­Ahnen und Urahnen auf, zieht der Dialog von gesprayter Linie und gemaltem Formativ seine Spur über Georg Karl Pfahler zurück zu Willi Baumeister und Fritz Winter. Tänzelnd-leichtes Ganzes In seinen neuen Arbeiten kommt Julio Rondo schlicht auf den Punkt – und so reihen sie sich bei Hauff zu einem so bildgewaltigen wie tänzelnd-leichten Ganzen. Zu einer Schau mit diesem Prädikat: herausragend. (Julio Rondo: „New place, old place“, 2018, acrylic behind glass, acrylic and chrome varnish on wood, wooden frame, 110 x 95 cm. © Julio Rondo and Tina Berning).
(stuttgarter-nachrichten.de/inhalt.julio-rondo-in-der-galerie-reinhard-hauff-praedikat-herausragend.9ce9e01e-32e9-44f5-a69b-8918427cbe04.html)



Solo Show „Clément Cogitore. Reste l’air et les formes...“
17.03. – 17.06.2018, FRAC Auvergne, 6 rue du Terrail, 63000 - CLERMONT FERRAND
Reste l’air et les formes... Depuis ses études à l’École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg puis au Fresnoy-Studio national des arts contemporains, Clément Cogitore (né en 1983) élabore une oeuvre singulière et splendide de sensibilité et de liberté dans la façon dont il utilise les différents langages offerts par le genre cinématographique pour développer une pensée en apparence très ouverte sur de multiples sujets mais toujours tenue en réalité par quelques grandes questions que l’artiste explore au fil de ses créations. Ses films traversent toutes les techniques et toutes les catégories pour fonder une oeuvre polymorphe simultanément enracinée dans le cinéma et dans une somme de pratiques liées aux dispositifs propres à l’art contemporain. En 2015, Ni le ciel, ni la terre, son premier long-métrage, fut largement salué par une nomination pour le César du meilleur premier film et par plusieurs nominations au Festival de Cannes. Conjointement, ses vidéos, installations, photographies, sont présentes dans les lieux dédiés à la création contemporaine – Palais de Tokyo, Centre Georges Pompidou, MoMa New York et récemment au BAL, à Paris, où son film Braguino ou la communauté impossible (2017) a fait l’objet d’une transposition sous la forme d’une vaste installation multi-écrans d’une grande beauté, avant sa sortie en salles de cinéma et sa diffusion sur la chaîne Arte. Sur le fond, les films de Clément Cogitore semblent parcourus par une grande hétérogénéité de sujets : disparitions étranges de soldats français en Afghanistan dans Ni le ciel, ni la terre, conflit entre deux familles installées en communauté autarcique aux confins de la Sibérie dans Braguino, installation vidéo consacrée aux phénomènes d’aurores boréales dans L’Intervalle de résonance (2016), histoire d’un couple vivant reclus dans un appartement de Moscou entouré d’une mystérieuse collection d’oeuvres de la Renaissance dans Bielutine (2011), situation d’un jeune clandestin tentant de rejoindre l’Angleterre dans Parmi nous (2011)... Les deux films réalisés en 2017, acquis par la collection du FRAC Auvergne et présentés dans cette exposition, semblent obéir à une semblable volonté d’échapper à toute forme d’unité générale. Sans titre (Lascaux), film 16mm de 46 secondes, donne à voir un lâcher de papillons dans la grotte de Lascaux alors que Les Indes Galantes montre une troupe de danseurs filmés sur la scène de l’Opéra Bastille sur une musique composée au 18e siècle par Jean-Philippe Rameau. Bien que rien ne semble pouvoir réunir l’ensemble de ces productions, l’univers de Clément Cogitore est pourtant habité par la récurrence de thèmes dont l’exploration sous des angles et à des degrés divers sert de fondation à sa pensée : perception du monde et d’une réalité sans cesse parcourue d’irrationnel, permanence de schémas archaïques au sein de la contemporanéité, animalité, chamanisme, primitivité, survivance du sacré, percolation du magique dans un monde de moins en moins habité par la transcendance...
(www.frac-auvergne.fr/exposition.php)



Solo Show „Joan Jonas“
14.03. – 05.08.2018, Tate Modern, London
Joan Jonas – hero to a generation of younger artists, Joan Jonas is a pioneer of performance and video who has pushed the boundaries of art for the last five decades. Experience the largest exhibition of Jonas’s work ever held in the UK. Early works from the late 1960s are shown alongside recent installations dealing with topical themes such as climate change and extinction. You can see her landmark installations including „Organic Honey“, „The Juniper Tree“ and „Reanimation“. For the first time at Tate Modern, a single artist’s work is explored in the exhibition galleries, and in film screenings in the Starr Cinema and installations in the Tanks – an experimental exhibition for an experimental artist. Joan Jonas will also perform live alongside other artists as part of the BMW Tate Live Exhibition: Ten Days Six Nights programme. (Photo: ​Joan Jonas „Stream or River Flight or Pattern“ 2016-2017 © Joan Jonas / Artists Rights Society ARS, New York / DACS, London.)
(www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/joan-jonas)



Joan Jonas Is Taking Over Tate Modern With a Headline Performance
14.03. – 05.08.2018, Tate Modern, London
The veteran US artist will restage historic works as her retrospective spills out of the galleries and reaches the banks of the River Thames. Joan Jonas will be in the building: animating Tate Modern’s galleries and its basement Tanks as well as appearing in person on the banks of the River Thames nearby. The US artist’s major survey show opens today, 14 March, at Tate Modern along with a retrospective of her films in its cinema. And Jonas is headlining the Tate’s second annual live program, which kicks off on Friday. During Tate Live, Jonas will be performing in a version of her 1972 work “Delay Delay“, which will be staged outside the gallery at low tide. “It’s been quite a privilege to be able to work with Joan on revisiting historical works and remaking them,” said Catherine Wood, the Tate’s curator, contemporary art and performance. The exhibition is the largest survey of Jonas’s work that has been staged in the UK. It covers the past 50 years of artistic production, presenting Jonas’s interdisciplinary approach and experimental practice, and includes important historic photographs and videos of her performances in downtown New York in the 1960s, as well as old, reconfigured, and new installations. At the press preview for the exhibition, Tate Modern curator Andrea Lissoni said that Jonas “has incessantly continued to sample and reappropriate her own work, and to represent it throughout her career.” Co-curated with Julienne Lor from the Haus der Kunst in Munich, where the show will travel later this year, the survey moves through crucial installations such as “Lines in the Sand“ (2002/2005), created for documenta 11 in the wake of 9/11, and the more recent “Stream or River, Flight or Pattern“ (2016/ 2017), a sort of follow up to her work for the US pavilion at the 56th Venice Biennale in 2016. Downstairs in the Tanks of Tate Modern, the converted oil storage tanks of the former Bankside Power Station, preparations are underway for the live performance program sponsored by BMW and jointly curated by Lissoni and Wood. Titled “BMW Tate Live Exhibition: Ten Days Six Nights,” and running from this Friday, March 16, through March 25, it is the gallery’s second annual “Live Exhibition.” The inaugural program last year included, among other things, an immersive fog installation by Fujiko Nakaya. “We made Joan the focus of this year’s live exhibition… to really try to give people an experience of not only the gallery-based work that Joan made but really to share the ways in which she used a live theater situation to rethink what sculpture could be and to experiment with the video technology that she took on so early,” Wood said. On the first two nights of Tate Live, Jonas will perform music composed for her work in conversation with her long-time collaborator, the jazz pianist Jason Moran. On nights three and four, three of Jonas’s most famous early works will be restaged. Alongside the new version of “Mirror Piece II“, a solo performance art piece originally starring Jonas called “Mirror Check“ (1970/2018) will be re-performed by a young artist, and Jonas herself will re-perform “Mirage“, which many argue was the first expanded cinema performance ever made by a woman artist, for the first time since 1976. The final two nights will see performances from Sylvia Palacios Whitman, a peer of Jonas’s who is working with Robert Rauschenberg’s photographer son, Christopher Rauschenberg, on an experimental piece, and the London-based duo, patten. Turner prizewinning artist Mark Leckey will also execute an “exorcism” of sorts in a new work titled “Extended Exorcism of the Bridge @ Eastham Rake“ (2018). “One of the key things that Joan has done is to think about myth and storytelling, moving back and forth between the past and present of her own practice, so there’s never really the historical object to conserve in a traditional way,” noted Wood of the selection of Jonas for the Live program. “Joan is always moving back and forth and remaking, rearranging, so there’s this live culture that’s inherent to how she thinks.” (Image: Joan Jonas: „They Come to Us without a Word II“, 2015. Performance at Teatro Piccolo Arsenale, Venice, Italy, 2015. Photo by Moira Ricci. © 2017 Joan Jonas: Artists Rights Society (ARS), New York: DACS, London.)
(news.artnet.com/exhibitions/joan-jonas-headlines-tate-moderns-second-annual-live-exhibition-1243256?utm_content=from_&utm_source=Sailthru&utm_medium=email&utm_campaign=Europe%20Newsletter%20March%2015%20AM&utm_term=New%20Euro%20%2B%20Newsletter%20List)



Group Show „Ausstellen des Ausstellens. Von der Wunderkammer zur kuratorischen Situation“ with Lasse Schmidt Hansen, Opening: Friday, March 2nd, 2018, 7 pm
02.03. – 17.06.2018, Staatliche Kunsthalle Baden-Baden
Was ist Ausstellen? Und wie lässt sich zeigen, was Ausstellen bedeutet? Mit diesen Fragen beschäftigt sich die Große Sonderausstellung des Landes Baden-Württemberg in der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden im Frühjahr 2018. 
Ausstellen des Ausstellens blickt sowohl in die Vergangenheit als auch auf das Heute. Die Ausstellung nimmt ihren Ausgangspunkt bei den Vorläufern der modernen Museen und endet bei aktuell zu erlebenden kuratorischen Situationen. So wird ein Bogen gespannt, innerhalb dessen sichtbar gemacht wird, wie beispielsweise Objekte in frühen Kunstkammern präsentiert wurden, welche Formen des Zeigens im 20. Jahrhundert existierten, und wie Kunst heute gezeigt wird. Die umfassende Schau zur Geschichte des Ausstellens versammelt mehrere hundert Werke. Bespielt wird nicht nur die Staatliche Kunsthalle selbst. Im Rahmen der Ausstellung wird mit aktuellen Arbeiten gezeigt, dass sich heute fast jeder beliebige Ort, durchaus auch weitab traditioneller Ausstellungsinstitutionen, zum temporären Ausstellungsort umfunktionieren lässt, in dem man daraus eine kuratorische Situation schafft. So illustriert die Große Sonderausstellung mit ihrer Vielzahl von Exponaten aus mehreren Jahrhunderten, dass Ausstellen zu verschiedenen Zeiten verschiedenes bedeutete. Tatsächlich war und ist die Tätigkeit des Zeigens immer einem Wandel unterworfen. Katalog: Zur Ausstellung erscheint ein komplexer Katalog im Verlag Hatje Cantz mit Texten von Beatrice von Bismarck, Regine Ehleiter, Stefanie Heraeus, Johan Holten und Bénédicte Savoy. Die Publikation versteht sich als Erweiterung des für die Ausstellung konzipierten Displays. So werden keine Fotografien der ausgestellten Exponate präsentiert. Stattdessen werden die Werke von verschiedenen Illustratoren in Zeichnungen übersetzt; eine ganz eigene Methode, den Ausstellungskatalog selbst als Instrument „des Zeigens“ zu untersuchen. 
Die Zeichnungen werden auch in die Ausstellung integriert und sind neben den Exponaten zu sehen, um eine weitere Reflexionsebene zu eröffnen. Beteiligte KünstlerInnen: Nevin Aladağ, John Bock, Mariana Castillo Deball, Tacita Dean, Christian Eisenberger, Andrea Fraser, Lasse Schmidt Hansen, Friedemann Heckel, Jeppe Hein, Julian Irlinger, Fabian Knecht, Louise Lawler, Allan McCollum, Maria MiottkeSimon Dybbroe Møller, Ivan Moudov, Philipp Modersohn, Walid Raad, Karin Sander, Evamaria Schaller, Kamen Stoyanov, Sebastian Thewes, Lukas Töpfer, Claudia de la Torre, Kaari Upson, Fred Wilson sowie: Goshka Macuga mit weiteren Werken aus der Sammlung des Arts Council England von: Art and Language, Alan Ball, Nino Barbieri, Joseph Beuys (1921-1986), Christo, Georges Csato (1910-1983), Herbert Distel, Brian Griffin, Maurice Henry (1907-1984), Jenny Holzer, Milan Knizak, Adam McEwen, Jonathan Monk, Carlyle Reedy, Daniel Spoerri, Günther Uecker, Ben Vautier, Jessica Voorsanger, Wolf Vostell (1932-1998) und: saxpublishers mit: Olga Balema, Verena Dengler, Lena Henke, Benjamin Hirte, Yngve Holen, Lisa Holzer, Chadwick Rantanen, Ben Schumacher). Zusätzlich mit Werken von: Joseph Arnold (1646-1674/75), Giuseppe Bernardino Bison (1762-1844), Abraham Bosse (1604-1676), Marcel Broodthaers (1924-1976), Johann Georg von Freese (1701-1775), Otto Graeber (1885-1952), Gustave Le Gray (1820-1884), Johan Conrad Greive (1837-1891), Jean-Pierre-Marie Jazet (1788-1971), Friedrich Kiesler (1890-1965), El Lissitzky (1890-1941), Pietro Antonio Martini (1738-1797), August II. von Polen (1670-1733), Anton Joseph von Prenner (1698-1761) und Frans van Stampart (1675-1750), Charles Rochussen (1814-1894), Adriaen van Stalbemt (1580-1662), Christian Friedrich Wiegand (1748-1824), Pieter Barbiers BZN III. (1771-1837). Reflexionszeichnungen für den Katalog und die Ausstellung von: Matthias Beckmann, Bea Davies, Yves Haltner, Anje Jager, Julia Pietschmann, Alexander Roob, Silke Schatz, Pedro Stoichita, Anna M. Szaflarski. Große Sonderausstellung des Landes Baden-Württemberg.
(www.kunsthalle-baden-baden.de/de/category/programm/)



New catalogue „more or everything“ by Wolfgang Flad
06.02.18 – 06.02.2019,
„WOLFGANG FLAD. more or everything“, ed. Atelier Wolfgang Flad & Sylvia van der Woude, Berlin: VfmK Verlag für moderne Kunst 2018, S. 191.
(www.wolfgangflad.de/)



Group Show „Raum & Fotografie“ with Stephen Willats, Opening: Friday, November 24th, 2017, 7 pm
25.11.17 – 22.04.2018, Museum der Moderne Salzburg, Mönchsberg 32, A-5020 Salzburg, Österreich
In dieser Ausstellung wird vielfältigen Bezügen von Raum und Fotografie nachgegangen. Standen in der Frühzeit der Fotografie technische und bildnerische Möglichkeiten im Vordergrund, erweiterten ab den 1960er-Jahren Künstler_innen ihr Verhältnis zu „Raum“ auf soziale und konzeptuelle Themen. Die Ausstellung reicht von 1860 bis heute und zeigt Werke von 35 Künstler_innen: ausgehend von einer begehbaren Camera obscura, in der das Licht der Salzburger Altstadt zum projizierten Bild wird, bis hin zu der Installation How Not to Be Seen von Hito Steyerl aus 2013. In sechs Kapiteln wird exemplarisch die sich verändernde Sichtweise auf und in den Raum vorgestellt. Frühe Bildverfahren und experimentelle Fotografie stehen am Anfang der Ausstellung. Im technikbegeisterten 19. Jahrhundert entstanden neue Methoden, um mit den Möglichkeiten der Kamera menschliche Sichtweisen und räumliches Sehen zu imitieren. Das änderte sich im frühen 20. Jahrhundert, als das sogenannte „Neue Sehen“, entstanden durch die Entwicklung moderner Kameratechniken, und das „Neue Bauen“ miteinander korrespondierten, wie beispielsweise in den Arbeiten des Bauhauslehrers László Moholy-Nagy. Der architektonische Raum wurde von den neusachlichen Fotograf_innen zum Anlass für experimentelle Bildkonzepte genommen, die eine Erweiterung der Seheindrücke darstellten. Die anschließenden Kapitel befassen sich mit dem gebauten Raum und dem Einfluss von Architektur auf die Gesellschaft. Die Expansion der Städte, die Entstehung von Randbezirken und Wohntürmen sind Themen der Arbeiten des Konzeptkünstlers Stephen Willats und des Fotografen Wolfgang Tillmans. Seine Videoinstallation Book for Architects, die 2014 auf der Architekturbiennale in Venedig vorgestellt wurde, zeugt von der Faszination, die das Leben in der Stadt und die divergenten gestalterischen Einzelentscheidungen auf den Künstler haben. Mit dem Film The Forgotten Space von Allan Sekula und Noël Burch aus dem Jahr 2010, Arbeiten von Santu Mofokeng und Dayanita Singhs Museum of Chances von 2015 widmet sich der dritte Ausstellungsteil den Grenzen in politischen Systemen, Wirtschaftsräumen und solchen, die vor allem virtuell bestehen. Werke von Philip Kwame Apagya, Herbert Bayer, Giacomo Brogi, Franz Bergmüller Jindřich Eckert, Hans-Peter Feldmann, Seiichi Furuya, Isa Genzken, Johannes Gramm, Birgit Graschopf, Florence Henri, M. Hoffmann, Kenneth Josephson, Wolfgang Kudrnofsky, Georges Lévy & Moyse Léon, Werner Mantz, Ingrid Martens, Santu Mofokeng, László Moholy-Nagy, Negretti & Sambra, Beaumont Newhall, Gregor Sailer, Alfons Schilling, Allan Sekula, Dayanita Singh, Margherita Spiluttini, Hito Steyerl, Sasha Stone, Clare Strand, Yutaka Takanashi, Wolfgang Tillmans, Umbo, Felix Weber, Stephen Willats (Kuratorin: Christiane Kuhlmann, Kuratorin für Fotografie und Medienkunst; Kuratorische Assistent_innen: Tina Teufel und Peter Schreiner).
(www.museumdermoderne.at/de/ausstellungen/aktuell/details/mdm/raum-und-fotografie/)



„Inside the Weird and Magical Collections of Artists“ – Artsy Editorial by Daniel Kunitz with Josephine Meckseper
02.06.17 – 02.06.2018,
[...] „Josephine Meckseper would certainly agree. For her installations, the German-born New Yorker gathers readymades—everything from hosiery to old advertisements to sculptural models—which she thinks of as “as signifiers and representations of capitalism.“ Bringing them together in her mirrored displays is “like looking at culture through collective eyes, and he eyes of future generations.” While not a collector of things, she considers herself rather “a temporary custodian of objects,” in part because, she says, “I grew up in a large, old house in Germany filled with my parents’ collections of old 19th-century toys, contemporary art, and rooms filled with bookshelves. Subsequently, I don’t feel the urge to collect.” Interesting that for us the word collect has come to mean own. Meckseper might not consider herself a collector, but she does accumulate things—mostly books. ( “Primarily,” she says, “because I read them.”) To the Brussels show, she loaned a first edition of Hunter S. Thompson’s The Great Shark Hunt, an overt cultural marker—it compiles the late author’s gonzo political journalism—that functions, too, as a comment on the current cultural and political situation. It is also, inevitably, nostalgic, as Meckseper herself obliquely acknowledges: “Now that we have entered a digital age, the book as a physical object containing narratives and content on a page feels even more significant.” Meckseper’s practice provides a glimpse into the way certain people transform ordinary objects that are invested with cultural sentiment into art. Today we call those people artists. In the past, it was shamans or priests who transmuted common, artisanal things into magical entities. Which goes a long way toward explaining why the Dutch artist Folkert de Jong collects tribal art along with contemporary works. Pieces like the Indonesian fertility sculpture, with, de Jong writes, “funky hair and oversize penis,” which he showed in Brussels, put him “in contact with something primal and connect me to the fact that we are part of nature.” Dawood is himself the owner of an assortment of ancient Egyptian magic and occult items. “I have a shabti, which is a ceramic glazed mummy, in blue,” he tells me, “and a beaded mummy mask, as well as two or three magical amulets.” At “Mementos,” you could gaze upon his pair of kohl-rimmed eyes, from an ancient Egyptian sarcophagus, mounted on a brown Perspex stand, and which he bought in Paris. The platitude of the eyes being the windows to the soul comes to us from ancient Egyptian magic, he tells me. His text adds, “I like the idea of something from the ancient past meeting a 1970s future that doesn’t quite work out.” It’s the way of all things: They travel through time accruing to this or that person, and live out an awkward future with objects from other eras. Perhaps it takes the eyes of an artist to recognize the magic in connecting them anew.“
(artsy.net/article/artsy-editorial-inside-weird-magical-collections-artists)



Herzlichen Glückwunsch Thomas Locher!
08.02.17 – 08.02.2022, HGB Leipzig – Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig
Der Erweiterte Senat der HGB Leipzig hat gestern (08.02.2017) den Künstler Thomas Locher zum neuen Rektor der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig gewählt. Die Amtszeit des neuen Rektors beträgt fünf Jahre. Thomas Locher löst mit seiner Wahl Prof. Dr. Ana Dimke ab, die seit 2011 Rektorin der HGB war und zum 1. April 2016 aus persönlichen Gründen aus dem Amt ausgeschied. „Ich bin sehr glücklich über die Wahl! Mich ehrt das entgegengebrachte Vertrauen, das ich unbedingt zurück geben möchte“, sagte Thomas Locher nach der Wahl. „Ich freue mich auf interessante und produktive Jahre mit den Studierenden und den KollegInnen an der HGB Leipzig.“ Thomas Locher, geboren 1956 in Munderkingen, ist Künstler. Von 1979 bis 1985 studierte er an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart, 1981 bis 1985 an der Universität Stuttgart. Locher lehrte international an Kunstakademien, Fachhochschulen und Universitäten (Merzakademie Stuttgart, Technische Universität Wien) und war von 2008 bis 2016 Professor an der Königlich Dänischen Kunstakademie in Kopenhagen. Thomas Locher ist Mitglied im Deutschen Künstlerbund. Er lebte von 1986 bis 2000 in Köln, arbeitet und lebt nun in Berlin und Kopenhagen. Thomas Locher stellte weltweit aus, u. a. in der Tate Gallery, Liverpool (1989), im Museum of Contemporary Art, Sidney (1992), im Museum of Modern Art, Saitama/Japan (1994), in den Deichtorhallen, Hamburg (2004) und im Museum of Modern Art, New York (2006). Lochers Arbeiten sind heute in großen öffentlichen Sammlungen vertreten, wie im Museu d’Art Contemporani de Barcelona, im Museum of Modern Art, New York, in der Vancouver Art Gallery, in der Grafischen Sammlung Albertina, Wien und in der Staatsgalerie Stuttgart. Foto: Erich Malter
(www.hgb-leipzig.de/)